EXPO PHOTO Blog de Koldo Badillo

lunes, 16 de marzo de 2026

Exposición “Mirar a otro lado” de Nicholas Combarro ***

En el MUN (Museo de la Universidad de Navarra) en Pamplona

Hasta el 9 de agosto de 2026

Hace apenas un año visitando el Centro Galego de Arte Contemporáneo en Santiago pregunté al encargado de la librería que me recomendara algún fotolibro de un autor gallego y me vendió un catálogo de una exposición de Nicolás Combarro al que no conocía todavía. Pocos meses después tuve un re-encuentro con su obra en el Festival de Palencia y empezé a seguirle con gran admiración. Hasta ahora que llega al MUN de Pamplona, en la que con gran acierto su director artístico Valentín Vallhonrat le había seleccionado para sus becas Tender Puentes.

Nicolás Combarro,Marta Ramos-Yzquierdoy Valentín Vallhonrat © foto Koldo Badillo

Fruto de esa relación surge esta exposición retrospectiva titulada Mirar a otro lado y estácomisariada por una experta en la trayectoria de Combarro: Marta Ramos-Yzquierdo y reúne sus últimos 6 proyectos con 200 fotografías.

Me resulta muy difícil definir que tipo de fotógrafo es Combarro porque es muy particular, un tanto incomparable, que te atrapa desde la primera fotografía que ves de él porque estás ante otra cosa.

Tuve esa sensación de ver algo nuevo cuando abrí la primera imagen del catálogo que compré en Santiagoque representa un espacio arquitectónico en el que la perspectiva le confiere esa sensación de tridimensionalidad. Pero al observarla detenidamente, de repente sucede algo mágico, sigo una línea roja que a modo de horizonte en el paisaje, hace desaparecer en un instante la tridimensionalidad, todo reaparece en un solo plano, las columnas que estaban delante retroceden y las de atrás se adelantan. Y enseguida esa imagen me remite a la pintura abstracta geométrica de Mondrian, de Van Doesburg y la cuadrilla de De Stilg. Me ha dado mucha pena que estas obras de su primera época no estén en esta exposición, porque esta fotografía plástica, basada en intervenciones del gesto pictórico sobre un espacio son las que me enamoraron de su obra.

Materia del silencio. © foto Koldo Badillo

Pero no os preocupéis, que todo lo que se presenta en esta exposición os va a interesar. En espacial su proyecto encargado por el MUN y que titula Materia del silencio, a medio camino entre lo documental y lo plástico, con unas maravillosas copias en gran formato en blanco y negro, de restos arquitectónicos que en plena noche son intervenidos con luz, consiguiendo unas imágenes poderosas, atrayentes, misteriosas, bellas, originales…y que además guardan la memoria de hechos históricos trágicos ya que están hechas en ruinas de campos de concentración franquistas. Tengo mis dudas de si estas fotografías me interesarían por igual aunque sus lugares representados no tuvieran esa carga histórica trágica.

Atrio del MUN. © foto Koldo Badillo

Mi recomendación es empezar por el atrio donde confluyen todos su proyectos como una especie de índice de lo que es la exposición y en la que ya se aprecian los tres tipos de intervenciones que Combarro realiza en espacios: pictóricas, escultóricas y lumínicas., que le permiten investigar las ideologías que esconden diversos tipos de arquitectura, pero también en las relaciones entre realidad y ficción, memoria y olvido o entre lo individual y lo colectivo, y es que como indica la comisaria Martas Ramos-Yzquierdo, “Nicolás al final está actuando sobre arquitecturas que no son las que normalmente están en los grandes relatos sino que son apartadas de la mirada; de ahí el título: mirar a otro lado,para poder cuestionarnos sobre los contextos en que se generan y qué ideologías las sustentan.”

Los que no conozcan todavía la obra de Nicolás Combarro tienen en esta exposición la mejor manera de acercarse a ella y como decía Vallhonrat en la presentación, se espera que sea un punto de inflexión en su carrera y yo auguro que será también un punto de partida hacia la admiración perpetua de la obra de Combarro de todos los visitantes a esta exposición.

Más información

Nicolás Combarro antes los medios. © foto Koldo Badillo

Nicolás Combarro © foto Koldo Badillo

Rueda de prensa de la inauguración. © foto Koldo Badillo

jueves, 5 de marzo de 2026

LAS MEJORES EXPOSICIONES DEL FINE ART 2026***

Acto de inauguración del FINE ART foto © Koldo Badillo

Un año más el festival de fotografía FINE ART Igualada acierta con la selección de los fotógrafos y trabajos para las 35 exposiciones que se podrán ver hasta el 22 de marzo.

Felicitamos a la organización con la dirección de Ramón Muntané, que deja el listón muy alto tras las primeras 14 ediciones del festival y que este año pide relevo. Gracias Ramón por todo tu trabajazo.

El director Ramón Muntané inaugurando el FINE ARTfoto © Koldo Badillo

En mi opinión FINE ART abandera la defensa del medio fotográfico como medio de expresión y selecciona principalmente a los que se autodenominan fotógrafos frente a lo que están haciendo otros festivales mal llamados de fotografía que se ocupan casi en exclusiva de artistas plásticos y visuales que utilizan la técnica fotografía como una técnica más.

FINE ART acoge a fotógrafos/as entre los que predominan los documentalistas aunque también tienen cabida los de trabajos de corte más creativo, más estéticos; y otra característica de FINE ART es que exponen muchas mujeres fotógrafas.

Para poder ver con tranquilidad todas las 35 exposiciones repartidas por 13 sedes por todo el centro de Igualada se necesitarían un mínimos de dos días. Para los que tengan dificultades para estar tanto tiempo os ofrezco aquí mi selección personal.

ESTELA DE CASTRO “Retratos de familia”

Exposición de Estela De Castro. foto © Koldo Badillo

Ocupa la sala principal en el Museu de la Pell que el festival reserva cada año a la exposición que considera la más importante. Sin duda muy acertada esta elección de este año.

Los retratos colectivos de personas anónimas junto a sus mascotas que reivindican ser uno más de la familia y posan con la misma dignidad de pertenencia son absolutamente admirables. Los gestos de un grupo son más difíciles de gestionar y de animales muchísimo más. Son composiciones cuidadísimas, donde el fondo es importante porque sitúa a la familia en su contexto social, y donde la iluminación y la composición siempre son perfectas.

Exposición de Estela De Castro. foto © Koldo Badillo

DANIEL SÁNCHEZ ALONSO “Eutopía”

Exposición de Daniel Sanchez. foto © Koldo Badillo

Una de las exposiciones más logradas de este año: por ofrecer un concepto interesante, eutopía (buen lugar)que Daniel lo lleva al significado de espacio de silencio, de paz y de eliminación del estrés; sus delicados paisajes blancos, limpios, mínimos que tanto me referencian a Michael Kenna, nos producen ese efecto deseado de sensación de paz; y en tercer lugar el acertado montaje de un reservado al que se accede mediante unas imágenes impresas en tela, completan las intenciones de Daniel.

Soy testigo de que funciona como reservado de tranquilidad, lo he revisitado a lo largo de 3 días y no me cansaba de estar allí, por ejemplo, durante el acto multitudinario de inauguración del festival, en el bullicio entrabas en este recinto y te aislabas para el disfrute de uno de los mejores trabajos este festival.

Exposición de Daniel Sanchez. foto © Koldo Badillo

**IRENE DEL PINO IGLESIAS “River”**

Exposición de Irene del Pino. © Koldo Badillo

Confieso que tengo preferencia por los proyectos fotográficos que abordan el territorio y más por aquellos que considero son herederos de la mítica exposiciónNew topographicsde 1975, que llevaba por subtítulo Paisajes alterados por el hombre.

Irene combina magistralmente la temática de la alteración de un espacio hiperhumaizado, como son la riveras del Támesis, en principio carente de una belleza propia natural, que con sus luces crepusculares y sus equilibradas composiciones consiguen extraer belleza donde la había. Me vino a la memoria el proyecto Yangtse-El río largode mi admirado Nadav Kander.

Los grandes formatos de copia, su nivel de detalle, la calidad de impresión tan importante en este tipo de imágenes, y también el espacio expositivo, una especie de cripta medieval, hacen que sea una de las mejores exposiciones de este año.

Exposición de Irene del Pino. © Koldo Badillo

OSKAR ALVARADO “Where fireflies unfold”

(Donde se despliegan las luciérnagas)

Exposición de Oskar Alvarado. © Koldo Badillo

Un proyecto personal y autobiográfico sobre el pueblo de sus ancestros Deleitosa (Cáceres) en el que hiciera su celebre ensayo fotográfico el mítico Eugene Smith.

Oskar nos regala unas buenísimas fotografías, sorprendentes, atractivas, misteriosas, impactantes, enigmáticas… se m acaban los calificativos. Es una especie de ensayo visual subjetivo donde reflexiona sobre qué huellas dejan tus espacios vitales en tu imaginario personal y en el sentido ancestral de pertenencia a un pueblo del que procedes y donde pasaste aquellos momentos de la infancia, que a la postre, son los que te convierten en ti mismo.

Acertadísimas decisiones formales para evocar esta sensación de nostalgia: luces nocturnas, extrañeza en el colorido, paisanos con indumentarias fantasmales… todo ello te sumerge en un mundo desconocido, extraño y a la vez atractivo.

Imposible no acordarse deNostosdel fotógrafo Navia.

Exposición de Oskar Alvarado. © Koldo Badillo

LURDES R. BASOLÍ y ELISA MIRALLES #serlobas

Exoisición Lurdes Basolí y Elisa Miralles © Koldo Badillo

Un proyecto colectivo con un montaje expositivo espectacular y con un alcance conceptual propio del feminismo. Yo lo enmarcaría dentro de la categoría de la fotografía contemporánea, que maneja unos códigos más exigentes y una implicación mayor en el espectador.

Su texto dice:”…propone una lectura crítica y poética de los cuerpos desde la metamorfosis y la disolución del yo, con el objetivo de ampliar el imaginario en torno a los cuerpos de las mujeres”. Han participado casi 50 mujeres que han prestado sus cuerpos desnudos y las imágenes resultantes son únicas.

Se podría hablar de otras exposiciones que son buenas y recomendables, solamente mencionar algunas por no extenderme más: ROGER GRASAS “Murs”, REBECA MAYORGA“Cuerpos rotos”, BENITO ROMÁN “Pequeños, más allá de su estatura”, JORDI VIDAL “Vanishing Act”.

Hay mucho más en FINE ART 2026: un calendario de actividades: visitas guiadas, presentaciones, charlas, talleres, etc. y la edición de un magnífico catálogo.

Más información: https://fineartigualada.cat/es

Exposición de Benito Román © Koldo Badillo

Exposición de Jordi Vidal © Koldo Badillo

Museo La Pell © Koldo Badillo

lunes, 16 de febrero de 2026

Festival FINE ART de Igualada (Barcelona)**

Sala principal del Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

Una cita anual con la fotografía en el mes de marzo se denomina FINE ART y este 2026 será la 14ª edición de un festival que se va consolidando en calidad y respuesta del público.

Igualada (Barcelona) es una pequeña ciudad de poco más de 40 mil habitantes que durante 22 días se vuelca con la fotografía, con acerca de 35 exposiciones repartidas por 20 espacios por toda la población, al más puro estilo de los Rencontres de Arles, salvando las distancias.

Mi recomendación es empezar por el Museu de la Pell donde se exponen 8 fotógrafos, posiblemente los de más calidad del festival y donde podéis haceros con el folleto-mapa gratuito con todas las exposiciones y la compra del catálogo (10 €).

Desde el museo se puede recorrer a pie todas las sedes del festival para terminar en el espacio más grande L´Escorxador, una antiguo matadero, con mucho encanto, por aquello del contraste entre un espacio decadente y el arte contemporáneo que tanto innovó Arles. Allí se pudieron ver en 2025 un total de 15 exposiciones.

A mi juicio sería un poco excesivo ver todo el festival en un solo día, mejor en al menos dos días, y sino se puede, recomiendo empezar por estas dos sedes principales mencionadas.

FineArt no solo presenta exposiciones; también ofrece una programación cultural rica y variada que incluye charlas, mesas redondas, visitas guiadas y talleres para grandes y pequeños. Toda la información está en la web.

Este tipo de festivales son la muestra de aquello que se ha dado a llamar el ensanchamiento de lo fotográfico, donde se puede comprobar la gran diversidad de tipos de autores que utilizan el medio fotográfico.

Es de agradecer el esfuerzo organizativo de la Agrupación Fotográfica de Igualada AFI y del Ayuntamiento de Igualada por este magnífico Festival FINE ART.

Precio: festival gratuito

Se publica un buen catálogo por 10 €**

Web del Festival: https://fineartigualada.cat/es

Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

miércoles, 11 de febrero de 2026

Exposición “Sergio Larrain: El vagabundo de Valparaíso/Chile” ***

Hasta el 24 de mayo de 2026 en Foto Colectania (Barcelona)
Sergio Larrain (Santiago de Chile 1931- Tulahuén Chile 2012)

Magnífica oportunidad esta exposición para acercarse a uno de los fotógrafos documentalistas más singulares del siglo XX. A través de 80 fotografías vintage de sus comienzos como fotógrafo al que su compatriota, el poeta Pablo Neruda, bautizó como El vagabundo de Valparaíso.

No es de extrañar que el fundador de la agencia Magnum, Henry Cartier-Bresson, quedara impresionado por este trabajo inicial de Larrain y le fichara para su agencia. ¿Qué pudo ver en estas primeras imágenes que tanto le impactaron? Lo mismo que podemos descubrir nosotros en esta exposición y que a pesar de que son fotografías de los años 50 y aunque hoy el mundo y la fotografía han evolucionado, si que podemos ponernos en su contexto histórico y quedar impresionados por la mirada única de Sergio Larrain.

A través de sus series de Niños de la calle (1956–1957) en Santiago y Valparaíso (finales de los 50–mediados de los 60) nos encontramos con una temática de preocupación social que ya iniciara el norteamericano Lewis Hine no muchas décadas atrás. Un acercamiento a los niños abandonados en las calles a los que se acerca Larrain con una visión empática, próxima y comprometida con su sufrimiento.

Aunque lo que llamó la atención de Cartier-Bresson fue su forma de mirar heredera de la Nueva Visión europea de entreguerras y su posterior Nueva Bauhaus americana caracterizada por ángulos nuevos, experimentaciones con desenfoques y movimiento que añaden poesía, recortes atrevidos, etc.

Una forma de fotografiar muy novedosa para la época, a la que habría que sumar un deseo de organizar la composición al estilo de las geometrías del Instante decisivo de Cartier-Bresson. Sin duda Larrain tuvo todas estas influencias a través de su padre que era un gran arquitecto, y su familia acomodada le permitió un acercamiento al arte y a la historia de la fotografía.

Son muchos los que han descrito la fotografía de Serio Larrain, sobre todo sus compañeros de Magnum, entre los que destacaría la admiración que sintió su compañero Guy Le Querrec: “Larrain, apostado a cierta distancia de la evidencia que desfila ante él, echa una efímera y furtiva mirada que contempla la realidad a través de inusuales y secretos umbrales. Sus fotografías, como una oda a lo incierto, revelan secretos y ritmos a menudo sincopados. No observa ninguna regla formal ni obedece a ninguna idea preconcebida”.

Pasó dos años en Londres 1958-59 en los que estuvo influenciado por su admirado Bill Brandt cuando realizó fotografías en Londres y que se publicarían mucho después en 1998 en el libro London por Agnés Sire que también es la comisaria de esta exposición. Este libro está a la venta en la librería de Foto Colectania.

Aunque tuvo unos fructíferos años en Magnum con reportajes por muchos países, su carrera fotográfica se suspendió bruscamente, tras apenas 10 años en Magnum y 20 años de un total de fotógrafo.

Se despidió de Magnum con esta carta una carta a Cartier-Bresson donde explicaba: “Hacer buena fotografía es difícil, lleva mucho tiempo. Intenté adaptarme en cuanto me incorporé al grupo de ustedes [Magnum] para aprender y conseguir que me publicaran. Pero me gustaría volver a hacer algo más serio. […] …me gustaría encontrar una vía que me permitiese actuar a un nivel que para mí sea más vital. No puedo seguir adaptándome”.

Enseguida sus inquietudes espirituales hacia el budismo le hicieron retirarse, aunque siguió pintando, escribiendo y preocupado por la práctica ecologista.

Entre sus escritos hay que reseñar la carta que escribió a su sobrino, una de las mejores lecciones sobre fotografía, en la que dice cosas como esta: “Sigue lo que es tu gusto y nada más. No le creas más que a tu gusto, tu eres la vida y la vida es la que se escoge. Lo que no te guste a ti, no lo veas, no sirve. Tu eres el único criterio, pero vete de todos los demás”.(Carta)

A pesar de su temprana retirada, dejó un gran legado que podremos seguir apreciando en una nueva exposición este mismo año en la Bienal Xavier Miserachs en Palagruell (Girona) este verano de 2026.