Festival FINE ART de Igualada (Barcelona)**

Sala principal del Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

Una cita anual con la fotografía en el mes de marzo se denomina FINE ART y este 2026 será la 14ª edición de un festival que se va consolidando en calidad y respuesta del público.

Igualada (Barcelona) es una pequeña ciudad de poco más de 40 mil habitantes que durante 22 días se vuelca con la fotografía, con acerca de 35 exposiciones repartidas por 20 espacios por toda la población, al más puro estilo de los Rencontres de Arles, salvando las distancias.

Mi recomendación es empezar por el Museu de la Pell donde se exponen 8 fotógrafos, posiblemente los de más calidad del festival y donde podéis haceros con el folleto-mapa gratuito con todas las exposiciones y la compra del catálogo (10 €).

Desde el museo se puede recorrer a pie todas las sedes del festival para terminar en  el espacio más grande L´Escorxador, una antiguo matadero, con mucho encanto, por aquello del contraste entre un espacio decadente y el arte contemporáneo que tanto innovó Arles.  Allí se pudieron ver en 2025 un total de 15 exposiciones.

A mi juicio sería un poco excesivo ver todo el festival en un solo día, mejor en al menos dos días, y sino se puede, recomiendo empezar por estas dos sedes principales mencionadas.

FineArt no solo presenta exposiciones; también ofrece una programación cultural rica y variada que incluye charlas, mesas redondas, visitas guiadas y talleres para grandes y pequeños. Toda la información está en la web.

Este tipo de festivales son la muestra de aquello que se ha dado a llamar el ensanchamiento de lo fotográfico, donde se puede comprobar la gran diversidad de tipos de autores que utilizan el medio fotográfico.

Es de agradecer el esfuerzo organizativo de la Agrupación Fotográfica de Igualada AFI y del Ayuntamiento de Igualada por este magnífico Festival FINE ART.

Precio: festival gratuito

Se publica un buen catálogo por 10 €**

Web del Festival: https://fineartigualada.cat/es

Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

Museu de la Pell. Foto © Koldo Badillo

Espacio L´Escorxador. Foto © Koldo Badillo

Espacio L´Escorxador. Foto © Koldo Badillo

Espacio L´Escorxador. Foto © Koldo Badillo

Espacio L´Escorxador. Foto © Koldo Badillo

Espacio L´Escorxador. Foto © Koldo Badillo

Escola pia. © Foto Koldo Badillo

Exposición “Sergio Larrain: El vagabundo de Valparaíso/Chile” ***

Hasta el 24 de mayo de 2026 en Foto Colectania (Barcelona)

Sergio Larrain (Santiago de Chile 1931- Tulahuén Chile 2012)

©foto Koldo Badillo

Magnífica oportunidad esta exposición para acercarse a uno de los fotógrafos documentalistas más singulares del siglo XX. A través de 80 fotografías vintage de sus comienzos como fotógrafo al que su compatriota, el poeta  Pablo Neruda, bautizó como El vagabundo de Valparaíso. 

©foto Koldo Badillo

No es de extrañar que el fundador de la agencia Magnum, Henry Cartier-Bresson, quedara impresionado por este trabajo inicial de Larrain y le fichara para su agencia. ¿Qué pudo ver en estas primeras imágenes que tanto le impactaron? Lo mismo que podemos descubrir nosotros en esta exposición y que a pesar de que son fotografías de los años 50 y aunque hoy el mundo y la fotografía han evolucionado, si que podemos ponernos en su contexto histórico y quedar impresionados por la mirada única de Sergio Larrain.

©foto Koldo Badillo

A través de sus series de Niños de la calle (1956–1957) en Santiago y Valparaíso (finales de los 50–mediados de los 60) nos encontramos con una temática de preocupación social que ya iniciara el norteamericano Lewis Hine no muchas décadas atrás. Un acercamiento a los niños abandonados en las calles a los que se acerca Larrain con una visión empática, próxima y comprometida con su sufrimiento.

©foto Koldo Badillo

Aunque lo que llamó la atención de Cartier-Bresson fue su forma de mirar heredera de la Nueva Visión europea de entreguerras y su posterior Nueva Bauhaus americana caracterizada por ángulos nuevos, experimentaciones con desenfoques y movimiento que añaden poesía, recortes atrevidos, etc. 

Una forma de fotografiar muy novedosa para la época, a la que habría que sumar un deseo de organizar la composición al estilo de las geometrías del Instante decisivo de Cartier-Bresson. Sin duda Larrain tuvo todas estas influencias a través de su padre que era un gran arquitecto, y su familia acomodada le permitió un acercamiento al arte y a la historia de la fotografía.

©foto Koldo Badillo

Son muchos los que han descrito la fotografía de Serio Larrain, sobre todo sus compañeros de Magnum, entre los que destacaría la admiración que sintió su compañero Guy Le Querrec: “Larrain, apostado a cierta distancia de la evidencia que desfila ante él, echa una efímera y furtiva mirada que contempla la realidad a través de inusuales y secretos umbrales. Sus fotografías, como una oda a lo incierto, revelan secretos y ritmos a menudo sincopados. No observa ninguna regla formal ni obedece a ninguna idea preconcebida”.

©foto Koldo Badillo

Pasó dos años en Londres 1958-59 en los que estuvo influenciado por su admirado Bill Brandt cuando realizó fotografías en Londres y que se publicarían mucho después en 1998 en el libro London por Agnés Sire que también es la comisaria de esta exposición. Este libro está a la venta en la librería de Foto Colectania.

©foto Koldo Badillo

Aunque tuvo unos fructíferos años en Magnum con reportajes por muchos países, su carrera fotográfica se suspendió bruscamente, tras apenas 10 años en Magnum y 20 años de un total de fotógrafo. 

Se despidió de Magnum con esta carta una carta a Cartier-Bresson donde explicaba: “Hacer buena fotografía es difícil, lleva mucho tiempo. Intenté adaptarme en cuanto me incorporé al grupo de ustedes [Magnum] para aprender y conseguir que me publicaran. Pero me gustaría volver a hacer algo más serio. […] …me gustaría encontrar una vía que me permitiese actuar a un nivel que para mí sea más vital. No puedo seguir adaptándome”.

© foto Koldo Badillo

Enseguida sus inquietudes espirituales hacia el budismo le hicieron retirarse, aunque siguió pintando, escribiendo y preocupado por la práctica ecologista.

© foto Koldo Badillo

Entre sus escritos hay que reseñar la carta que escribió a su sobrino, una de las mejores lecciones sobre fotografía, en la que dice cosas como esta: “Sigue lo que es tu gusto y nada más. No le creas más que a tu gusto, tu eres la vida y la vida es la que se escoge. Lo que no te guste a ti, no lo veas, no sirve. Tu eres el único criterio, pero vete de todos los demás”.(Carta)

© foto Koldo Badillo

A pesar de su temprana retirada, dejó un gran legado que podremos seguir apreciando en una nueva exposición este mismo año en la Bienal  Xavier Miserachs en Palagruell (Girona) este verano de 2026.

© foto Koldo Badillo

Agradecemos a Foto Colectania la oportunidad de acercarnos a este gran fotógrafo. 

Más info: https://fotocolectania.org/es/exhibition

© foto Koldo Badillo

© foto Koldo Badillo

© foto Koldo Badillo

© foto Koldo Badillo

© foto Koldo Badillo

Museo IVAM de Valencia***

Fachada IVAM Valencia ©Koldo Badillo

El IVAM Institut Valencià d’Art Modern se crea en 1986 y es el primer museo de arte contemporáneo de España. Su sede principal está en Valencia capital y tiene otra en Alcoy.

Exposición "La fotografía en medio" 2023 ©Koldo Badillo

La colección del IVAM es el núcleo del museo y constituye una base fundamental de su programación. Empezó a conformarse en 1985, y sigue creciendo con adquisiciones, donaciones y depósitos.

El museo cuenta con una exposición permanente del escultor valenciano Julio González (1876-1942), pero su mayor actividad  se basa en exposiciones temporales, entre las que siempre hay al menos una de fotografía. Hasta el 8 de febrero de 2026 se expone “España Oculta” de Cristina García-Rodero https://ivam.es/es/exposiciones/cristina-garcia-rodero-espana-oculta/

El IVAM edita magníficos catálogos de sus exposiciones y colecciones que están a la venta en la librería.

Una visita imprescindible en cada viaje a Valencia.

Calificación:***/***

Exposición "La fotografía en medio" 2023 ©Koldo Badillo

Horario: Martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas. Lunes cerrado

Web: https://ivam.es/es/

Contacto: ivam@ivam.es 963 176 600

Dirección: Guillem de Castro, 118 46003 Valencia

Precio entrada: 5 euros. Entrada gratuita: miércoles de 16h a 19h y domingos todo el día.

Recursos: Cafetería** Librería**

Exposición "Gabriel Cualladó" 2025 ©Koldo Badillo

Exposición "Gabriel Cualladó" 2025 ©Koldo Badillo

Exposición "Gabriel Cualladó" 2025 ©Koldo Badillo

Exposición "Gabriel Cualladó" 2025 ©Koldo Badillo

Exposición “Perfect day” de Txema Salvans***

En la sala la galería Personal de Tarragona, hasta el 23/1/2026 (Festival SACAN)

Inauguración de la exposición: Jesús Vilamajó director del SCAN, presenta al autor Txema Salvans

Las fotografías de “Perfect day” enseguida me remiten al trabajo de Nadav Kander ”Yantze. The long river” de 2010. Casualmente la exposición Talent Latent de este mismo festival SCAN muestra el trabajo del chino Tu Ximeng “Water rivers flow” en el que también coincide la temática (paisajes distópicos en los que los humanos pasan su ocio), pero además coincide su estética basada en colores y contrastes apagados por las nieblas de la contaminación.

En el trabajo de T. Salvans hay coincidencias con este tema de N. Kander del paisaje post-industrial, aunque probablemente habría que decirlo al revés, porque Salvas lleva décadas buscando estos paisajes por toda la cuenca del Mediterráneo, y en concreto los de “Perfect day” son de los últimos 20 años.

Pero el estilo de T. Salvans es otro, siempre he dicho que sus fotos se reconocen enseguida, esa luz transparente y cegadora mediterránea que produce colores brillantes e imágenes alegres: días soleados ligeramente sobreexpuestos con la misma película analógica y una misma óptica normal para cámara gran formato 4x5.

“Toda fotografía es política” decía Salvans al comienzo de su presentación en la inauguración y aludía a resiliencia de los humanos, a su capacidad de adaptación al medio, que estas imágenes pueden simbolizar. 

Fontcuberta dice en el maravilloso texto que acompaña esta expo: “este trabajo nos habla de este autoengaño colectivo que lleva a fantasear con estos reductos transitorios de paraíso”.

En mi opinión estas imágenes son paradójicas, su extrañeza surreal nos provocan una sonrisa inicial, pero enseguida, a mi personalmente, me hablan del Antropoceno, de “Lo que queda del paisaje” que titula Fontubeta, de distopía, de postapocalípsis… en cualquier momento parece que va a aparecer el Mel Gibson de Mad Max.

Txema Salvans nos hablaba de la polisemia de las imágenes, que invitan al espectador a buscar sus propios significados y emociones.

Yo soy fan de los fotógrafos que crean imágenes potentes y personales, y que a su vez te llevan a reflexionar temas importantes.

Esta exposición se puede ver en la Galería Personal, un espacio muy singular cerquita de la catedral de Tarragona. Nos dice su gestor Antonio Gomez que es la única joyería de Europa que a su vez es galería de arte

Mi recomendación es visitarla y de paso aprovechar para ver el resto del festival SCAN, que este año viene cargadito de exposiciones y actividades con la FOTOGRAFÍA como medio de expresión.

https://scan.cat/

https://joieriapersonal.es/exposicio-actual-a-la-galeria-personal-tarragona-catedral/

https://txemasalvans.com/

Exposición de HELEN LEVITT en el KBr Mapfre de Barcelona***

foto © Koldo Badillo

Exposición Retrospectiva de Helen Lewitt. Nacida y criada en Brooklyn, Nueva York (1913-2009). 
Hasta el 1 de febrero de 2026. Posteriormente Mapfre Madrid del 17 febrero al 17 de mayo de 2026

He recordado la canción de Cat Stevens de 1970 Where Do the Children Play? (¿Dónde juegan los niños?) cuando he visto las fotografías de Helen Lewitt del New York de la época Roosevelt años 30-40 con las calles plagadas de niños jugando. ¿Dónde fueron esos niños que casi desaparecieron en los años 80 del presidente Reagan, cuando Lewitt volvió a esas mismas calles a re-fotografiar en color? Ella lo simplificó aludiendo a la televisión y al aire acondicionado. Hace ya mucho tiempo que ese tipo de fotografías de Lewitt serían imposibles de intentar repetir.

Foto © Koldo Badillo

Que experiencia más maravillosa visitar esta retrospectiva de una de las fotógrafas más visionarias de la historia. Nos permite discernir la bifurcación de los dos caminos de la fotografía documental del periodo modernista, el de Cartier-Bresson y su instante decisivo con el que la instantaneidad alumbraba la forma y lo lírico, frente al estilo documental de Walker Evans en el que prima su preocupación social y política. Helen Lewitt tuvo el acierto de trabajar con ambos aprendiendo de los mejores, y todo esto está presente en entre las 220 fotografías que conforman esta exposición.

New York c.1939

Además de invitarnos a analizar el contexto histórico de la fotografía documental de calle, eso que en 1994 rebautizó Joel Meyerovich como street photography, esta exposición nos invitar a descubrir las imágenes más icónicas de Lewitt, aquellas que más singularidad y más éxito han dado al corpus de su obra. Fue el gran escritor James Agee el que mejor descubrió el valor diferencial de este tipo de fotografías de Lewitt, cuando le ayudó a seleccionar en 1938 las imágenes para su primer libro A way of seeing ( Una manera de mirar) y que en su prólogo hablaba de fotografías enigmáticas, así lo redefine el comisario de la exposición Joshua Chuang:  “Las imágenes de Helen Levitt poseen una cualidad misteriosa que las convierte en auténticos enigmas visuales. Su mirada única y certera transforma escenas cotidianas en composiciones difíciles de definir, lo que provoca una conexión inmediata con el espectador, incluso cuando no hay una narrativa clara que las explique”.

A lo largo de toda la exposición y por tanto de la carrera de Lewitt encontramos este tipo de imágenes que como diría otra fotógrafa de calle americana Diane Arbus “la fotografía es un secreto de un secreto. Cuanto más te dice, menos sabes”. Podremos descubrir in situ este tipo de fotografías tan características de Lewitt y qué buscó durante toda su carrera incentivada por James Agee, y comprobaremos que son las que más interés causan entre los visitantes y probablemente en nosotros mismos. De ahí su poder icónico y su reconocimiento por la historia de la fotografía.

New York c.1942

Sirva de ejemplo de lo que hablamos esta fotografía: ¿Qué pasa aquí? ¿ Porqué esa mujer esconde así su cabeza? ¿Porqué esa carcajada del niño? Los humanos somos seres imaginativos, y queremos interpretar las imágenes, y enseguida aceptamos el reto de lo desconocido, por eso estas imágenes nos enganchan, y más si le añadimos el componente del humor que encontramos a menudo en las imágenes de Lewitt.

Lewitt intentó siempre encontrar estos enigmas en lo cotidiano que se transforma en algo no ordinario, casi extraordinario, y estas imágenes se hacen universales y atemporales, lo que hace que siempre nos interesen.

Foto © Koldo Badillo

Por otro lado, aunque ella elude hablar de un compromiso social en su trabajo, a pesar de que empezó en la época de la Gran depresión. Lo dijo muchas veces de manera parecida:

” Se ve lo que se ve”, eludiendo hablar de compromisos sociales. Pero mucho creemos que las fotografías documentales, las basadas en la realidad, siempre tienen detrás la ideología del autor. Por el hecho de poner el foco a las clases bajas de NY, en Harlem y el Browns donde vivían negros, gitanos, hispanos…se intuyen sus ideas de izquierdas que le habían hecho militar en la Photo League, de ideología comunista, dónde por cierto conoció a Cartier Bresson.

New York 1976

Otro de los valores que podemos encontrar en muchas imágenes de Lewitt, son las posturas estéticamente extrañas de sus modelos, fruto de la detención del movimiento, que como resultado parecen parejas de baile cuando juegan al baloncesto, o niños contorsionistas con aspecto zoomórfico. 

New York 1982

Aprendió de C. Bresson a ser invisible, pasar desapercibida, y a afinar el disparo cuando el movimiento se reordena en el tiempo y el espacio.

New York c.1940

Quizá la fotografía más icónica del instante decisivo del que hablo, sea la de la portada del catálogo de la exposición. Veinte seres humanos en el teatro callejero de la vida, se detienen en un instante mágico, donde los niños en primer plano miran a algo que sucede y no sabemos lo que es. El enigma de esta ordenación-composición magistral, nos lo resuelve la audio-guía de la exposición que os recomiendo escuchar.

New York c.1939

En definitiva, una exposición para disfrutar resolviendo jeroglíficos atemporales, para descubrir las formas extrañas producto de la instantaneidad que permitió la invención de la Leica, y para estudiar composiciones únicas de instantes decisivos. 

Koldo Badillo

New York c.1940