EXPO PHOTO Blog de Koldo Badillo

lunes, 17 de marzo de 2025

¿La fotografía ha muerto?

EXPOSICIÓN "A propósito del paisaje". José Guerrero

KBr Barcelona hasta el 18 de mayo 2025

Por Koldo Badillo

© foto Koldo Badillo

Un grupo de estudiantes universitarios de arte coinciden con mi visita a esta exposición. Les veo corretear por la misma sin apenas detenerse, hasta que les paran las dos obras finales, se reagrupan en torno a ellas y realizan el baile que describía Vik Muníz: unos pasos para delante para ver la obra de cerca y unos pasitos para atrás para ver de qué va la cosa. Estuvieron un buen rato debatiendo y creo que como me pasó a mi, no sabían qué era lo representado, obras abstractas por tanto; ni tampoco cómo estarían realizadas ni con qué técnica estaban impresas. Se preguntan: ¿pero no estábamos en una exposición de fotografía?

La sala grande del KBr consta de dos galerías paralelas, al fondo de la primera se dobla la esquina y sentí como si cambiara de autor. Me han robado al fotógrafo que venía admirando y me encuentro a un artista plástico, pero ¿qué ha pasado? El José Guerrero que conocía y tanto admiro, le reconozco en la primera mitad de la exposición. Un fotógrafo paisajista que maneja los códigos y discursos del género como pocos: lo topográfico, lo palimpséstico, lo enigmático, lo simbólico, lo periférico, lo cultural, lo antropocénico, lo extraño, lo territorial, y tantos otros conceptos que José Guerrero ha abordado en su trayectoria.

©foto Koldo Badillo

“…deambula por el espacio elegido y, llevado por el instinto, dispara. Diríamos que la mecánica se parece mucho a un trance poético, pero sin perder de vista el objetivo de someter al paisaje, de apropiarse de él. Es en la edición cuando surge el hilo de sentido que relaciona las imágenes: el discurso que las soporta toma forma en la reflexión. (Lola Fernandez en la revista La Fundación #6)

La excelente comisariado de Marta Gili organiza esta primera mitad de la exposición en tres capítulos:

HORIZONTES: “…esa línea imaginaria que no existe en ningún mapa, no solo marca la separación entre el cielo y la tierra, sino también entre el silencio y el vacío”. Se presentan obras de las series Efímeros (2003-2006), La Mancha (2009-2012), Sierra Nevada (2015) o After the Rainbow. Es el José Guerrero que sincroniza con el paisajismo fotográfico americano, veo referencias a Robert Adams, Lewis Baltz, Richard Misrach, Joel Sternfeld, Stephen Shore, incluso al español Gerardo Custance.

CARRARA: la segunda sala de la exposición propone una experiencia visual interesante. Paredes oscuras, poca luz, obras en clave baja…uno tarda varios segundos en ajustar el iris de sus ojos a esta propuesta. El trabajo Carrara es rompedor porque muestra el mármol blanco de las canteras de Carrara, casi negro. Un espacio tantas veces representado y con tanto simbolismo de la arquitectura de poder durante siglos, se ve ensombrecido y cuestionado por la mirada de Guerrero.

ARQUEOLOGÍAS: en esta tercera sala la comisaria nos presenta algunos trabajos de Guerrero dedicados a los restos arquitectónicos históricos, como Roma (2017): ”En su interés por la estratificación del mundo subterráneo y por la superposición de las capas del tiempo, memoria y cultura…”. También se presenta un video, pero ambas propuestas no me parece a mi lo más representativo de su carrera.

Al doblar la esquina y pasar a la segunda parte de la exposición surge un nuevo autor, sin transición, no lo vi venir, en salas sucesivas llegamos a un artista plástico abstracto. ¿Dónde se quedó la fotografía? ¿ porqué no están sus trabajos más fotográficos como Thames (2008), Down Town (2008) o Night light NY(2011)?

Encontramos sin embargo, otros trabajos que podríamos clasificar con el término fotografía plática que implementó Dominique Baqué en su célebre ensayo publicado en 2003.

BRECHAS: El título de esta sala y de esta serie, describe el salto que da la exposición de un fotógrafo paisajista a un artista plásticos, y curiosamente coincide con el término que se acuñó durante un tiempo para referirse a la separación entre estos dos mundos: los fotógrafos vs los artistas.

Este trabajo se acerca a la abstracción geométrica y destaca una pieza políptica realizada en Fez por encargo de Mapfre. No podemos evitar recordar obras de David Jiménez.

BRG: es el salto definitivo a la abstracción geométrica, más cerca de lo plástico que de lo que la mayoría entendemos como fotográfico. Sin embargo he de reconocer que son imágenes muy atractivas, herederas de las arquitecturas coloristas del fotógrafo italiano Franco Fontana, o de fotógrafos más jóvenes como Alberto Selvestrel .

Guerrero explicó así el cambio: “De mi trabajo en Roma vino un deseo importante de forzar un poquito más los límites de lo que se puede alcanzar con el lenguaje fotográfico, que es tan limitado”.

En la web su galerista sevillano Alarcón Criado se descubre el misterio de su proceso creativo y sus intenciones: “El trabajo sobre modelos arquitectónicos en miniatura, junto con la necesaria pre y posproducción, han servido al artista para profundizar en cuestiones fundamentales presentes en toda su obra precedente. Investigaciones que le llevan a explorar el carácter documental y abstracto del medio fotográfico; a tensionar la extraña frontera entre la realidad y su representación; a abordar aspectos intrínsecos de la pintura desde el campo de la imagen fotográfica.”

© foto Koldo Badillo

GFK: la exposición finaliza con las dos obras ya mencionadas que son las de más reciente creación y que me llevan a recordar a las abstracciones cromáticas de Gerhard Richter.

A pesar de que no le resto valor a esta segunda parte de la exposición, mi sensación final como amante de lo fotográfico, es que un creador ha abandonado nuestro medio. Este pesimismo me invade de un tiempo a esta parte cuando muchos jóvenes fotógrafos españoles empiezan a hibridar su medio, como mostraba la exposición Perpetuum movile de PHE24 comisariada por Ajejandro Castellote. Por eso me pregunto una vez más: ¿La fotografía ha muerto?

miércoles, 5 de marzo de 2025

Azkuna Zentroa de Bilbao***

Fachada de la Alhóndiga Bilbao © foto Koldo Badillo

El Azkuna Zentroa es un centro multidisciplinar cultural y de ocio que ocupa el edificio de la antigua Alhóndiga de Bilbao de 1909 y que se re-inauguró en 2010 por iniciativa del Ayuntamiento de Bilbao.

Entre sus muchas instalaciones: piscinas, cines, restaurantes…dispone de salas de exposiciones y de espacios de creación artística.

Para los que no conozcan el Centro, una buena ocasión para acercarse a él sería visitar la magnífica exposición de fotografía de Ixone Sádaba titulada “ESCALA 1:1”. El texto de presentación de la exposición define a la autora como artista e investigadora, aunque creo no errar si en esta exposición la califico de fotógrafa.

En mi opinión lo más reseñable de esta exposición está definido en el título “Escala 1:1” y es una investigación acerca de cómo representar a escala real un lugar. La enorme sala de exposición de 40 metros de largo por 5 ó más metros de alto representaba tal reto que la autora y el comisario Carles Guerra tuvieron la idea de tratar de representar la inconclusa y abandonada central nuclear de Lemoniz (Bizkaia) a escala real.

© foto cedida Azkuna Zentroa

Se utilizan 6 proyectores que entre todos componen una especie de imagen panorámica gigante, aunque no se han unido las 6 fotografías porque intencionadamente se ha cambiado el punto de vista de cada fotografía. El resultado te abduce, un puzzle calidoscópico, cubista, y aunque el cerebro del espectador pueda intentar unir las imágenes, algo no cuadra y terminan viéndose como imágenes sueltas. Decía el artista David Hockney que la percepción visual humana funciona muy diferente a la lente de la cámara oscura, nosotros tenemos dos lentes-ojos, que se mueven y escanean los objetos y además nos desplazamos: “nadie ve un bosque sin andar”. Las proyecciones de series de 6 fotografías son un ejercicio de imitar a la percepción visual humana de esos espacio y a mi juicio el resultado es tan innovador que es lo más destacable de esta exposición. Una nueva representación fotográfica de un espacio.

Ixone me cuanta que la visión humana es siempre escala 1:1 y que su investigación trata de emularla, sin conseguirlo del todo: un plano de cada fotografía tiene escala 1:1 y el resto se van al tamaño que la perspectiva de la cámara oscura le asigna.

Cabe preguntarse cuanto tiempo transcurre entre cada foto de una serie, aunque uno tiene la sensación de estar paseando por realmente por ese lugar, por la escala grandiosa y por el cambio de perspectiva de cada imagen. En cierto modo recuerda a un travelling cinematográfico. Ixone me confirma que cada serie de 6 imágens están hechas en la misma sesión.

© foto cedida Azkuna Zentroa

Además las fotografías en blanco negro remiten a las luces, los hiper-detalles y las texturas de Humberto Rivas y Carlos Cánovas entre tantos otros autores, esa estética tan trabajada por los paisajistas españoles.

Por otro lado se suma el poder indiciario y simbólico de estas imágenes, que nos remiten a un espacio con rastros de un pasado convulso, a una lucha ecologista antinuclear que luchó contra la construcción de esta central y a la posterior intervención violenta de ETA; referencias a la naturaleza que intentar recuperar su espacio en estos tiempos de Antropoceno y distopía; referencia a los espacios industriales abandonados y solitarios que nos intimidan. Quién tenga la suerte de escuchar a Ixone se enterará de las muchas capas de significado que ha desarrollado con este ensayo visual, aunque nosotros los espectadores tenemos el privilegio de llevarlo a nuestro terreno.

© foto Koldo Badillo

La sensación sobrecogedora de esta proyección me transportó a un tiempo apocalíptico donde parece que los humanos se han extinguido y la biodiversidad regresa a recuperar su territorio.

Sin duda una de las exposiciones más interesante, evocadora y emocionante que he visto últimamente.

Ixone Sádaba

“Escala 1:1”

hasta el 27/4/2025

Azkuna Zentroa- Alhóndiga Bilbao

Web: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/ixone-sadaba-escala-11/

Horario exposiciones: de martes a domingo: 11:00 - 20:00h

Parking: subterráneo de pago

Teléfono de información: 944 014 014

Dirección: Plaza Arriquibar, 4.Bilbao

© foto Koldo Badillo

martes, 18 de febrero de 2025

Centro Pérez Siquier (Olula del Río-Almería)***

Primera sala del museo © foto Koldo Badillo

El Centro Pérez Siquier es un museo dedicado a la figura de este célebre fotógrafo español. Se encuentra en su pueblo natal Olula del Río (Almería). Se inauguró en 2017 un año después de que cediera a la Fundación de Arte Ibáñez-Cosentino la totalidad de su archivo fotográfico y la gestión integral del mismo.

Se trata del primer museo dedicado a la obra de un fotógrafo, después llegaría un caso similar con Cristina García Rodero en su pueblo Puertollano (Ciudad Real), y que nosotros sepamos no hay más museos de fotógrafos, cuestión que nos parece muy injusta, al menos si lo comparamos con la infinidad de pequeños museos dedicados a pintores o escultores. Tal es así que este Centro Pérez Siquier está anexo al Museo Ibañez creado por el artista Andrés García Ibáñez (Olula del Río, 1971) en el 2005, y que fue también el impulsor del museo de su paisano.

Ambos museos están juntos y se pueden visitar gratuitamente, a las afueras del pueblo, dispone de parking propio y de cafetería y la visita del conjunto se convierte en una experiencia artística completa.

Sala dedicada a su trabajo La playa © foto Koldo Badillo

Carlos Pérez Siquier (1930-2021) es considerado como uno de los grandes renovadores de la fotografía española del siglo XX. Fundador del Grupo AFAL y de la revista del mismo nombre, fue un gran impulsor de la fotografía, atrayendo la participación de muchos de los grandes fotógrafos de la época: Ramón Masats, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Alberto Schomer, Oriol Maspons, Ricard Terré y tantos otros. No deja de ser sorprendente que Pérez Siquier concitara tantos militantes desde una esquina de la península. Además organizó exposiciones en Almería de los mejores fotógrafos mundiales de la época y les llevó a Almería a fotografiar su tierra.

Mi sombra y yo, uno de sus últimos trabajos © foto Koldo Badillo

Yo creo que el museo si hace justicia a Pérez Siquier, como fotógrafo y como impulsor del medio. Muchísimas obras suyas en salas diáfanas ordenas temáticamente por sus grandes proyectos: La Chanca, La Chanca en color, Retratos, La playa, Color del sur, etc. Personalmente sus trabajos más innovadores fueron los realizados en color, cuyo protagonista es exactamente eso: el color.

Color del sur, uno de sus trabajos más célebres © foto Koldo Badillo

El museo se complementa con una sala con una gran colección de la mayor parte de los miembros del grupo AFAL. Y también hay salas dedicadas a exposiciones temporales, tuve la suerte de poder ver "Kim Manresa: 50 años de fotoperiodismo".

Fachada del Centro Pérez Siquier © foto Koldo Badillo

En definitiva se trata de un museo extraordinario para conocer la obra de esta figura de la fotografía española y de todos sus amigos.

INFORMACIÓN DEL MUSEO

web: https://www.centroperezsiquier.org/

Contacto: +34 950441027 centroperezsiquier@gmail.com

Dirección: Plaza Ciudad de la Cultura,1. 4869 Olula del Río (Almería)

Horario: Martes a sábado 11-14 h. y 17-20h.

Domingos 17-20 h.

Precio entrada: Gratuito

Recursos: Publicación de catálogos***

Librería-tienda*

Parking propio gratuito

Cafetería

Visitas guiadas bajo reserva

Escultura de Antonio López dialogando con las fotografías de Pérez Siquier © foto Koldo Badillo

Sala de Exposiciones temporales © foto Koldo Badillo

Sala dedicada a su primer trabajo La Chanca © foto Koldo Badillo

sábado, 24 de julio de 2021

La Fundación MAST de Bolonia (Italia)***

La Fundación MAST de Bolonia (Italia)*** es uno de los centros fotográficos más sorprendentes y espectaculares de Europa

La exposición Anthropocene del fotógrafo canadiense Edward Burtynsky ocupó todo el Centro en 2019

La Fundación MAST de Bolonia (Italia) es un centro increíble y muy singular. Su imponente edificio vanguardista situado a las afueras de Bolonia en realidad es la sede de Coesia, que un grupo de empresas; pero cuyos espacios comparten con el público, en algo que tiene el aspecto de museo de arte contemporáneo.

Resulta agradable que en la recepción te atiendan en castellano, te inviten a entrar y te acompañen a la cafetería donde te invitan a tomar algo, todo gratis. La explicación es que los espacios de cafetería, biblioteca, salones de descanso…se comparten con los empleados de la empresa.

Luego se accede a dos edificios contiguos con grandes salas de exposiciones donde solo se realiza una sola exposición temporal de grandes proporciones, y siempre de fotografía. Creo que es el centro dedicado a fotografía en Europa donde se puede realizar una exposición de mayor envergadura. Yo tuve la suerte de ver en 2019 el colosal proyecto del fotógrafo canadiense Edward Burtynsky que se titula Anthropocene.

La amplitud de los espacios del MAST permiten el uso de imágenes de enorme formato, y todo tipo de sistemas de interacción con el público, convirtiendo la visita en una experiencia única.

La fundación es propietaria de una colección de fotografía de tema industrial, con series de autores como Albert Renger-Pastz, Germaine Krull, André Kertestz, Luigi Ghirri…que exhiben en un festival en otoño por todo Bolonia: https://www.fotoindustria.it/.

Resumiendo, se trata de uno de los centros fotográficos más sorprendentes de Europa.

Calificación ***/***